15 советов от художника Дрю Хартеля по рисованию света

 

Освещение сильно влияет на эмоциональное восприятие истории, в то время как сториборд отвечает за ее содержание. Хороший свет исходит прямо из сердца, для этого требуется эмпатия и поэтическое мышление. Также не обойтись без четкого понимания, как правильно выстраивается освещение, и тогда вы сможете раскрыть потенциал на максимум.

 

Дрю Хартель работал над такими хитами, как «Тайна Коко» (Pixar), «Человек-паук: Через вселенные» (Sony) и множеством других проектов. В арсенале аниматора имеется 15 приемов, которые помогают ему вкладывать душу в то, что он делать.

1. Подводите зрителя к важным моментам

Работайте над светом последовательно, чтобы вам было проще отслеживать динамику. Из архива Pixar Animation Studios

 

Так же как и при написании музыки, вы должны понимать, в чему движетесь. Это дает возможность контролировать «динамику». В наиболее ярком и красочном освещении нуждаются кадры с персонажами, находящимися на пике. Начинающим мультипликаторам часто не терпится начать работу сразу с важнейших моментов, но в подводке к кульминационному моменту кроется определенная эстетика.

 

В проиллюстрированной сцене Молния МакКуин следует примеру своего бывшего наставника Дока Хадсона, который обучил персонажа коронному приему («если как следует дать влево, выйдет поворот вправо»). Когда Дрю впервые увидел сториборд, он сразу понял, что этот момент станет знаковым и самым эмоциональным. Следовательно, он должен выделяться на фоне прочих. Теперь важно понять, как это сделать.

 

Дрю рассказывает: «В то время я учился приемам освещения у художника-постановщик Уильяма Коуна. Я изучал его работы в мультфильме «Тачки», и одно изображение захватило мое внимание. Это был кадр из культовой сцены, в которой Док Хадсон поднимает пыль в пустыне. В кафетерии на студии Pixar висела большая картина с этим моментом. На обеде я постоянно смотрел на нее, как завороженный, и удивлялся тому, насколько красивое освещение сделал Билл. Я буквально черпал вдохновение из этой картины и старался отдавать дань уважения Биллу так же, как это делал Молния МакКуин по отношению к Доку. Мне нравится верить, что все это добавляет еще один слой». 

2. Учитесь сопереживать своему персонажу

Поставьте себя на место персонажа. Из архива Sony Pictures Animation

 

Невозможно сымитировать сочувствие. Это возможность ощутить себя в шкуре другого человека, что немыслимо без смирения, избавления от собственных предрассудков и умения думать не о себе, а о ком-то другом. Иногда от этого становится неуютно, но зачастую именно такое состояние становится ключом к созданию эмоциональной работы, которая берет за душу.

 

В этой сцене Майлз Моралес узнал нечто, что полностью изменило его взгляд на мир. Сейчас он испытывает целую гамму эмоций. Художнику необходимо поставить себя на место персонажа и вспомнить момент, когда в нем самом боролись разные чувства. В такие моменты мы часто ощущаем себя потерянными и, пытаясь обрести твердую почву под ногами, цепляемся за все подряд.

 

Переходим к практике. По сути, быть потерянным означает чувствовать себя, как в тумане. Несмотря на то, что Майлз стоит рядом с Питером, сама атмосфера будто выталкивает подростка в туман.

 

Он отчаянно пытается найти какую-то стабильность, поэтому художник Дрю Хартель добавил больше акцентов: слезы, голова наклонена вперед, глаза подчеркнуты ярким светом, представляющим собой метафору последнего проблеска надежды, что Питер сможет помочь. Майлз хватает его за руку, и этот жесть тоже является хорошей графической формой. Художник также сделал акцент на плечах Питера, чтобы зритель почувствовал тяжесть ноши, которую он несет.

3. Дайте название каждому рисунку

Название будет отражать каждое принятое вами решение. Из архива Sony Pictures Animation

 

Чтобы сконцентрироваться на простоте момента, ему можно дать простое название. Эта рекомендация вовсе не предполагает несерьезное отношение, однако она поможет вам при создании целой последовательности кадров.

 

В этом примере Дрю использовал несколько уровней подсвечивания персонажа, которые вместе отлично работают. Название кадра — «Новый день», и оно сообщает о каждом решении аниматора. Внизу мы видим машины в лучах утреннего солнца. Дрю разместил первую фигуру Майлза в тени и развернул ее навстречу свету. Пропустить лучи через окна вагона стало отличной идеей. Такой же эффект получается, когда свет проходит через витражные окна собора. «Мысли о Боге, церкви и лучах света ассоциируются у меня с новым началом», — говорит Дрю.

 

Вторая фигура Майлза залита солнечным светом. Она превратилась в силуэт, практически как и окружающие здания. Третью фигуру под стрелой крана сложно разглядеть — она фактически слилась с новым днем. 

4. Рисуйте свет, а не объекты

Задайте общее направление того, как свет будет смотреться и ощущаться. Из архива Sony Pictures Animation

 

Легко погрязнуть в деталях, но для создания световой картины это по большей части не нужно. Ваша задача — задать общее направление того, как свет будет смотреться и ощущаться. Если вы понимаете основы, достаточно лишь обозначить объекты. С другой стороны, требования у разных студий отличаются, и некоторые их них требуют более тщательной прорисовки, чем на этом примере. Это нормально.

 

Если вы понимаете, как работает свет, проблем не возникнет. Просто времени уйдет больше. Однако даже в таком случае не нужно сосредотачиваться на том, что вы рисуете. Вместо этого сфокусируйте внимание на источниках света и том, как он заполняет пространство, ложится на объекты.

 

Когда вы сосредотачиваетесь на рисовании света, результат получается более реалистичным. На этом примере вы можете заменить, что у многих зданий не прорисованы даже окна, так как они менее важны, чем машины на переднем плане и их отражение на мокром асфальте, а также силуэт Майлза на фоне.

 

Для Дрю была большая честь поработать в Sony Pictures Imageworks, потому что команда могла буквально прочитать рисунок и сразу понять, что нужно делать. Это приходит с опытом и пониманием того, как работает свет. Вам необходимо наладить отношения с людьми, с которыми вы трудитесь в студии, и понять, как добиться наилучшего взаимопонимания для более плодотворного сотрудничества.

5. Природа — лучший учитель

Не существует легких путей научиться лучше чувствовать цвет и свет. Арт: Дрю Хартель

 

Многие художники задаются вопросом: «Как лучше передать цвета и свет?». Существует только один правильный ответ и, к сожалению, он не предполагает легких путей. Неиссякаемый источник находится на улице — изучайте природу света. Например, при упоминании заката вы, скорее всего, можете его себе представить.

 

«Я могу попросить вас изобразить три разных заката и вы, скорее всего, справитесь с таким заданием. А если нужно будет нарисовать 10, 20, 100 или 1000 непохожих друг на друга закатов? Удивительно, но это не из области фантастики! Существует множество разнообразных возможностей для того, чтобы рисовать уникальные закаты. Например, вы можете использовать абсолютно все цвета спектра любой насыщенности. Вот почему природа — лучший учитель, она никогда не бывает обыденной и скучной. Напротив, она всегда будет вас удивлять.

 

Когда я работал в Disney, моим арт-директором и учителем был Билл Перкинс. Однажды я у него спросил, как можно улучшить свое восприятие света и цвета. Он сказал, что недалеко от студии есть одно место с большим белым зданием в окружении деревьев. Билл посоветовал мне ходить туда каждый день для того, чтобы зарисовывать это здание с одного ракурса и делать заметки, что именно меняется. Если картинка осталась такой же, как и в предыдущий раз, дело не в природе, а в собственном восприятии.

 

Это и есть основная проблема со светом: глаза пытаются нас убедить, что они знают, что видят. Необходимо научиться обходить эту ловушку и смотреть на все так, как в первый раз. Когда вы научитесь это делать, начнете замечать цвета, о которых вы даже не догадывались».

6. Используйте визуальные образы, рассказывайте историю просто

Не стоит недооценивать простоту. Из архива Sony Pictures Animation

 

Чем проще выглядит ваше изображение, тем более мощный эффект оно будет оказывать на экране. Эта концепция может быстро усложниться. Давайте рассмотрим в качестве примера кадры из «Человека-паука». Это знаковый момент, когда Майлз не только выиграл внутреннюю войну самим с собой, но и навел порядок в районе.

 

Обратите внимание на текстуру неба. Первое изображение выглядит эмоциональным, но это не тот эффект, который необходим в данный момент. Кадр буквально кричит, что голова Майлза разрывается от мыслей, хотя в истории наступил момент, когда пора выдохнуть и расслабиться.

 

На втором изображении художник сконцентрировался на стилизации облаков, которые действительно красиво обрамляют фигуру. Но создается впечатление, что они приближаются к персонажу. На третьем изображении облака вдали приобрели четкую форму. Они создают некий повторяющийся узор на заднем плане, смотрятся мягкими и при этом не лишенными изящества в соответствии со стилистикой мультфильма. Меняется восприятие кадра. Теперь в нем ощущается триумфальность момента и умиротворение.

7. Копайте глубже в плане эмоций

Зрители будут испытывать те же чувства, что и вы. Из архива Sony Pictures Animation

 

Если вы хотите заставить зрителей прочувствовать все до конца, необходимо копать глубже и вложить в работу больше эмоционального смысла. Например, вы видите момент, когда Майлз вот-вот примет судьбоносное решение стать Человеком-пауком. Художник Дрю Хартель объединил два плана и распределил источники освещения так, чтобы свет только частично падал на лицо персонажа, но что-то было не так. С технической точки зрения Дрю сделал все правильно, и подросток смотрелся круто, однако изображение вызывало слабые эмоции.

 

Идею нужно было развить. Майлз — изгой в некотором роде. Его родители — представители двух культур, но он сам не чувствует, что вписывается хотя бы в одну из них. Парень нашел свое призвание, но сомневается, достоин ли он стать Человеком-пауком. Подросток хочет защитить город, в котором живет, но не ощущает себя его частью.

 

Когда художник дошел до этой точки в своих размышлениях, стало очевидным, чего не хватало. Он оставил город на заднем плане все таким же ярким, но скрыл лицо Майлза. Жесткие линии стали восприниматься как метафорическая броня. Это помогло создать более глубокую связь. Таким образом, иногда нужно сделать не больше, а меньше, чтобы передать правильные эмоции.

8. Не путайте фотографическую передачу с тем, как мы воспринимаем увиденное

Мы смотрим на мир через призму собственного восприятия. Арт: Дрю Хартель

 

Свет дает нам единственный способ смотреть на окружающий мир и понимать его. Образно говоря, мы смотрим на вещи не глазами, а разумом, и еще со школы усвоили, что ключевую роль играют детали. Наиболее точно запечатлеть реальность позволяет камера, способная уловить даже самый крошечный нюанс так же, как довольно крупную деталь. Но эта концепция лишена натуральности.

 

Наше восприятие вещей гораздо ближе к импрессионистической живописи, потому что мы не фокусируемся на всем сразу. Мы так или иначе выбираем, на чем сосредоточить внимание, и обобщаем все остальное. Представьте, что вам нужно выйти в парк, найти какого-нибудь человека, сидящего на лавке, и смотреть на него в течение пяти секунд. Затем отвернитесь и опишите то, что увидели. Большинство из нас начали бы перечислять те особенности, которые показались интересными и запоминающимися, но такие детали, как форма подлокотника, высота травы под скамьей или то, что происходит на заднем плане, вряд ли бы нашли место в пересказе. Точно так же важно и рисовать, если вы хотите поделиться своим опытом и видением через работу.

 

Вы можете возразить, что при создании анимационных фильмов или роликов используется камера. Так и есть, но при этом ставится задача передать через нее именно то, на чем зрители должны фокусировать внимание. Для этого используются разные приемы и инструменты, например, специфическое расположение объектов в кадре, размытие и т. д. Когда вы освоите этот принцип, станет легче правильно использовать визуальные эффекты и добиться того, чтобы зрители не отвлекались на ненужные детали.

9. Отдавайте приоритет искусству

Сначала эстетика, потом логика. Арт: Дрю Хартель

 

«Чтобы я мог вложить душу в работу, мне необходимо прочувствовать ее на художественном уровне, прежде чем браться за прорисовку. Приблизительно так же многие художники приступают к написанию полотен: сначала они делают легкие отметки краской на пустом холсте, а когда чувствуют, что все находится на своих местах, начинают более тонкую проработку.

 

Существует множество причин, по которым такой подход работает. Я считаю, что так автор вовлекается, начинает рассуждать творчески и получает удовольствие от процесса. Проработку деталей всегда можно оставить на потом. При работе над моим собственным проектом, который называется Little, я начинаю с абстрактного наброска, прежде чем определяюсь с композицией. Тем же принципом я руководствовался и при работе над «Человеком-пауком», чтобы результат получился эмоциональным и соответствовал требованиям режиссера».

10. Настройте обратную связь

Не объясняйте зрителям смысл. Дайте им возможность поделиться догадками. Арт: Дрю Хартель

 

«Это станет отличной тренировкой для тех, кто только учится. Иногда становится страшно показать свою работу другим людям. Не потому что вы сделали что-то не то, а потому что люди могут посмеяться или понять что-то неправильно. Но нужно набраться смелости посмотреть этому страху в глаза: начните показывать свои работы без каких бы то ни было комментариев.

 

Как правило, друзья и члены семьи ведут себя слишком снисходительно: если вы объясните свою работу прежде чем покажете ее, они найдут некий компромисс между вашими словами и тем, какой рисунок на самом деле, и примут вашу позицию. Поэтому лучше показывать работы без объяснения и просите честно поделиться впечатлениями. Вы получите более ценную информацию, которая поможет выявить и устранить слабые места. Но имейте в виду, что не каждый человек из вашего окружения способен дать конструктивную оценку. В конце концов, это ваша работа, но любое мнение имеет право на существование».

11. Используйте то, что вам знакомо

Сосредоточьтесь на эмоциях. Из архива Sony Pictures Animation

 

«Просматривается определенная тенденция, не правда ли? В контексте освещения я часто говорю об эмоциях и чувствах, потому что они играют ключевую роль в том, как лучше осветить сцену. Перед вами — одна из последних работ: Майлз в воздухе смотрит на город. Очевидно, что в такой точке я никогда сам не находился, но мельком видел нечто подобное из иллюминатора самолета и на фотореференсах. Однако если бы я рисовал сцену на основе только этого скудного опыта, едва ли получилось бы передать много эмоций.

 

Я назвал этот кадр «На вершине мира». Несколько раз в жизни мне повезло испытать эту эмоцию, например, когда только влюбился, достиг желанной цели или был охвачен вдохновением. Голова кружится, накатывает цунами волнения и кажется, что окружающий мир сверкает яркими впечатлениями и возможностями. И все это я могу воспроизвести визуально, что я здесь и сделал. Ведь было важно изобразить не только время суток, но и эмоциональный всплеск».

12. Изучите основы света

Возможно все, но реалистичность — в первую очередь. Из архива Sony Pictures Animation

 

Иногда, рассматривая работы выдающихся художников, нам кажется, что нет ничего невозможного. По большей части это утверждение верно, однако не нужно изобретать свою физику. Чтобы руководствоваться существующими принципами, необходимо быть максимально внимательными. Иногда художники добавляют цвета и световые пятна, у которых нет источника. Еще одна распространенная проблема — явные противоречия.

 

Можно провести такую параллель с музыкой: вы можете сыграть абсолютно любую ноту, но если вам нужно взять две ноты, они должны сочетаться, иначе возникнет диссонанс. С другой стороны, есть композиторы, которым удается практически невозможное: играть на грани, сочетать, казалось бы, совершенно несочетаемое и добиваться впечатляющих результатов. Это признак мастерства, которого достичь очень сложно.

 

Представьте, что вам нужно не нарисовать свет, а выставить его, будто вы снимаете игровой фильм. Каждый источник света, который вы разместите, будет определенным образом влиять на все объекты в кадре. Вы можете использовать приемы для приглушения или усиления светового потока, однако это не повлияет на физические свойства. В этом кадре Дрю нужно было особым образом подсветить фигуру Майлза, перелетающего столкнувшиеся машины. Можно было бы просто сделать свет более ярким. Но где его источники? А тени? Почему должен подсвечиваться только Человек-паук? Освещение может быстро озадачить.

 

«Решение нашлось — направить на фигуру Майлза яркий свет от фазы такси. Я уверен, что если бы вы решили воссоздать точную картину в реальности и проверить траекторию пучка света с линейкой, угол падения света был бы несколько другим, но здесь можно немного схитрить. Свет по-прежнему работает так, как должен. Я лишь слегка приспособил его под решение конкретной задачи. Опять же, вы можете играть с размещением источников света, но свойства света изменять нельзя».

13. Начните с пасмурного дня

Из архива Pixar Animation Studios

 

«Я научился этому принципу у Роберта Конда и Дайса Цуцуми. Изображение рендерится на компьютере поэтапно. Одна из первых ступеней — визуализация в нейтральном свете. Почему именно так? Потому что нейтральный свет не искажает изначальные цвета и оттенки каждого объекта. Где мы можем встретить нейтральный свет в природе? Это очень просто — в облачный день, когда солнечный свет рассеивается и максимально равномерно ложится на все объекты. Отсутствие теней и более интенсивно подсвеченных элементов сильно упрощает задачу.

 

Далее можно использовать различные инструменты, корректирующие слои или просто подогнать освещение под необходимые условия. Это позволит добиться того, что на все объекты будет ложиться один и тот же свет. Вдобавок цвета, оттенки и температура не будут конфликтовать.

 

Во время разработки «Тачек 3» отделу шейдинга понадобился кадр с нейтральным освещением, чтобы сверить цвета, которые были выбраны для моделей. Нижний кадр в сумерках был сделан для отдела освещения, чтобы было понятно, как изменяются цвета в зависимости от момента».

14. Подберите «правильную» музыку

Найдите музыку, которая резонирует с моментом. Из архива Sony Pictures Animation

 

«Со мной это происходит постоянно: не могу найти ту палитру, которая бы соответствовала определенному настроению, не хватает времени или везения запечатлеть идеальный момент в природе, не нашел хорошего референса или не могу настроиться на нужный лад. В такие моменты отлично помогает включить музыку, которая отражает момент.

 

Я долго не мог найти палитру для этого примера. Существует столько цветов, с помощью которых можно передать сумерки, как выбрать из них всего один вариант? В конце концов мне помогла подходящая песня, под которую мне удалось справиться с нюансами».

15. Опишите момент словами

Если вы можете описать момент, у вас получится его и подсветить. Из архива Sony Pictures Animation

 

Еще один совет от Дрю — выписать слова, описывающие момент. Это особенно важно для бытовых сцен.

 

«Предлагаю разобрать этот, казалось бы, абсолютно простой пример. Мы видим Майлза, повернутого к камере спиной, который только что открыл дверь на крышу. Кадрирование не позволяет нам увидеть, на что именно смотрит персонаж.

 

Что я сделал? Просто выписал такие слова и выражения, как «город», «синий электрик», «последняя дверь», «решительный», «готовый встретиться лицом к лицу со своими страхами» и некоторые другие. Они помогли мне прочувствовать момент и понять, как сделать эту сцену максимально сильной.

 

Некоторые люди считают, что не любое освещение играет важную роль, оно лишь служит для создания атмосферы. Я не согласен с такой точкой зрения. Не стоит рисовать бессмысленный свет — он должен что-то говорить. Этот метафорический голос может звучать тихо, громко, пронзительно или быть едва уловимым, но в любом случае он важен. Отнеситесь к нему с должным уважением и вниманием».

 

Оригинал https://www.creativebloq.com/advice/lighting-keys

 
Войдите
Задать вопрос
Заполняя данную форму, я даю согласие на обработку персональных данных.